Sound der Gol­de­nen Zwan­ziger

Es gibt Musik, die den Körper erfasst, bevor der Verstand einschreiten kann. Offenbachs Orpheus in der Unterwelt bietet genau das von der ersten bis zur letzten Minute: das Stück ist ein Perpetuum mobile aus Ohrwürmern, federnden Rhythmen und Melodien, die klingen, als hätten sie ihren Ursprung irgendwo zwischen Straßenlaterne und Kaschemme. Musik, die dazu verführt, nachgesummt zu werden, gegen den eigenen Willen. Dabei ist die Partitur der Operette alles andere als naiv. Offenbach zitiert und parodiert die großen Opern seiner Zeit so, als hätte er ihnen heimlich die Luft aus dem Reifen gelassen. Was sich aufplustert, klingt plötzlich hohl. Was ernst beginnt, endet im Tanz. Die Nationalhymne, das Kirchenfinale, der tragische Gesang des Orpheus – nichts bleibt ungeschoren. Eine Einführung über die hohe Kunst der Referenz zwischen Anerkennung und Parodie.

Orpheus hat bei Jacques Offenbach ein kleines Imageproblem: Er ist ein lausiger Ehemann, ein mittelmäßiger Geiger und ein Mann, der seiner Frau hinterherläuft – nicht aus Liebe, sondern aus Angst vor schlechter Presse. In seiner Inszenierung legt Regisseur Barrie Kosky frei, was in der Operette seit 1858 schlummert: ein Gesellschaftsstück von beunruhigender Aktualität, in dem die Ehe eine Farce ist, der Olymp eine schlechte Verwaltung und die Hölle der einzige Ort mit echtem Programm. Eurydike, im Mythos bloße Muse und Anlass männlicher Traurigkeit, ist bei Offenbach die eigentliche Hauptfigur: eine Frau, die nicht gerettet werden will und am Ende selbst entscheidet, zu bleiben. Wo? Unten. Als Bacchantin. Mit gutem Grund. Ein Gespräch über radikale Frauenfiguren, dionysische Lustspiele und jüdische Musiktraditionen in Offenbachs Orpheus in der Unterwelt.